Le croquis est le résultat de la matérialisation de l’idée initiale avec une procédure. Dans mon cas, je vais l’expliquer sur le dessin avant de peindre, mais d’autres cas peuvent être le “modellino” préalable d’un sculpteur, voire l’ingéniosité mécanique à l’échelle de l’idée d’un ingénieur, ou le modèle avec différents matériaux de l’architecte . Dans tous les cas, le croquis tente de capturer à partir d’une première impression dans sa représentation le sentiment initial que l’idée a produit. De cette manière, l’œuvre est redirigée vers ses racines.
Le croquis peut être plus ou moins élaborée par rapport à sa fin, mais il est important que vous conserviez autant que possible votre idée source originale, c’est-à-dire votre idée inspirante. C’est ce qui donnera de la cohérence et surtout de la force au travail final. Quand je parle de force, j’entends la puissance évocatrice, transmetteur de l’inspiration initiale de l’auteur. De plus, la sensibilité de l’auteur se reflète de manière plus pure dans un croquis initiale avant sa ré-élaboration où interviennent la virtuosité plus ou moins grande et la technique postérieure elle-même.
Le croquis d’une maquette murale de José María Sert
Les croquies des maîtres
J’ai souvent réfléchi aux nombreux croquis des maîtres de la Renaissance. En eux, gardant leur virtuosité, les représentations des motifs sont très proches de leur élaboration dans le support final, que ce soit une peinture murale, un tableau ou une toile. Ils ont essayé de donner des noms et même des noms de famille à des personnages si correctement représentés, et dans certains cas, on parle d’autoportraits supposés, par exemple de Léonard de Vinci, dans certains des personnages de ses œuvres.
Mais à mon avis, c’est le propre génie de l’artiste qui est représenté en train de perfectionner tout modèle qu’il observe comme référence. C’est le cas de la célèbre tête de Santa Ana pour “La vierge à l’enfant à Santa Ana”. Aussi intemporel qu’immatériel, cette figure n’a pas été créée par Léonard de manière tortueuse, comme le disent les lignes du dessin. Au contraire, sa simplicité de ligne et de synthétisme, ainsi que la grande sensualité inhérente à Léonard, sont prodigieuses.
Copie graphite sur grès du croquis de la tête de Santa Ana d’après Leonardo
Idées transmises, nouveau travail
Dans d’autres cas, le croquis révèle le naturalisme de l’auteur. L’auteur a sa manière de représenter n’importe quel motif et il en parle. C’est ce que nous appelons le style de l’auteur, comme son empreinte digitale plutôt que sa signature. C’est le cas, à titre d’exemple et plus baroque, de P.P. Rubens. Même dans les œuvres qui sont des copies de leurs référents, il ne peut éviter d’être infidèle à l’original en donnant à la copie un air qui lui est propre, sans modifier substantiellement l’œuvre originale. Par exemple, entre autres, “Adam et Eve” selon Titien que, sans changer à peine un élément de la composition originale, sa propre et complète paternité stylistique ne peut être niée. Et aussi en ce qui concerne le dessin. L’étude ou le croquis qu’il a fait de la sculpture de “La nuit” selon Michel-Ange, est une déclaration de son propre style.
Copie du dessin de Rubens de La Nuit d’après Michel-Ange, graphite sur grès
Vers l’indépendance du croquis
Et au fur et à mesure que l’histoire avance, l’art du croquis devient plus spontané, disparaissant dans certains cas en tant que tel. C’est-à-dire à incorporer directement dans le développement du travail, en tant que niveau initial ou couche préparatoire. C’est un facteur déterminant dans le cas de Velázquez, dont on ne connaît guère de dessins et / ou croquis préparatoires. Il fut l’un des premiers introducteurs de la peinture “alla prima”. Et dans les radiographies qui ont été faites dans les études de ses œuvres, apparaissent des dessins sous-jacents très simples, dans certains cas de simple placement compositionnel. Des maîtres de renom affirment que “Velázquez a peint ce qu’il a vu”, avec une capture improvisée et vertueuse de la lumière dans la réalisation de ses tableaux d’après nature, pourquoi ferait-il un dessin précédent? Pour cette raison, Velázquez a été le phare de nombreux artistes de l’impressionnisme français.
Détail du petit chien dans le portrait de l’Infante Felipe Próspero par Velázquez
Du croquis au dessin modern
C’est le désir de capturer la lumière atmosphérique et horaire qui a conduit des paysagistes tels que Corot, Pisarro, et tous ceux de l’école Barbizón, à convertir le croquis et la première impression en une œuvre autonome de sa réinterprétation ou réélaboration ultérieure. En d’autres termes, la peinture «alla prima» s’applique au paysage et à tous les genres. La conséquence de cette indépendance du croquis par rapport à l’œuvre élaborée fut l’élévation du statut, du croquis au dessin (de l’italien, “disegno”). Ouvrir les portes de l’art en majuscules, à l’art conceptuel, en tant que capteur d’idées, de symbolisme, et en termes de fonctionnalité à l’illustration, à la décoration, et aux différents designs, mode, intérieur, industriel, publicité, etc.
Parce que pour concevoir quoi que ce soit ou un objet, l’idée doit d’abord être dessinée ou exprimée d’une manière et d’une manière. Et c’est là que le croquis remplit la fonction que j’ai exercée depuis le début, clarifier les idées dans et pendant sa réalisation. C’est le début de la construction de l’objectif souhaité par l’auteur.
Note ou le croquis d’une vue de Sainte Victoire par Cézanne
Les croquis à L’Atelier de Santi
Pour moi, comme El Atelier de Santi, l’idée qui m’assaille d’inspiration suggère deux manières de dessiner. Tous deux valables pour la réalisation de trompe l’oeil dans le domaine de la peinture sur différents supports. L’un est le plus traditionnel, quoique efficace, qui est le dessin initiatique et précédent, le même croquis lui-même. Dès le début de l’art de la peinture, il a joué un rôle clé dans l’élaboration de chefs-d’œuvre. C’est par croquis que l’auteur, dans un exercice d’essais et d’erreurs, vers ses calculs, a recherché les proportions et la cohérence dans l’ensemble.
Le croquis traditionnelle ou la conception antérieure de l’œuvre dont je poursuis la représentation, est utile dans tous les cas. En fait, il est utilisé dans les arts, pour visualiser l’idée, comme l’architecture, la sculpture, la céramique, etc. Cela peut même être utile pour faire un dessin préliminaire d’une mise en scène comme modèle. Pour cette raison, il est également utilisé dans l’industrie pour les futurs prototypes, et même au cinéma, le story-board peut être conceptualisé comme un croquis initiale pour le tournage futur.
Croquis complet et peinture finale du trompe l’oeil “Gazpacho”
Le croquis naturaliste
Mais la deuxième façon d’esquisser que j’utilise le plus est la chose la plus proche d’un modèle ou d’une mise en scène du ou des modèles. Autrement dit, monter la nature morte ou la nature morte à représenter, comme cela se fait dans les écoles d’art. Mais dans mon cas, je personnalise la composition et les modèles in situ, afin de les peindre de la vie, de cette façon je crée la scène où je représente les motifs comme des personnages. Comme on peut le comprendre, il s’agit toujours d’un croquis en direct de la composition finale, où le placement, la taille, la lumière, les couleurs, etc., sont préalablement testés et sélectionnés.
Croquis et / ou modèle naturel en même temps
Même ainsi, il y a place pour des changements dans les détails. Comme lors de la réalisation d’un croquis préalablement dessinée, la créativité de l’artiste ne peut être abstraite d’une certaine improvisation qui échappe à l’esquisse originale. Parce que l’esquisse est toujours un travail en constante évolution. Et l’auteur pose le début de sa matérialisation et de sa réalisation à un moment donné. Mais l’inertie de la création, comme la lumière d’une ampoule, comme le concept «idée» est souvent représenté, dépasse les limites du croquis originale.
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